jue. Oct 18th, 2018

El debut de The Doors sigue siendo uno de los álbumes más peligrosos de la historia.

 

The Doors

Una mirada a la portada del álbum debut de The Doors y sabías que el verano del amor había terminado y los niños de las flores se dirigían directamente al sanatorio. Estas puertas, como el baterista John Densmore bromeó más tarde, estaban claramente “desquiciadas”.

Ray Manzarek llevaba el semblante severo de un predicador protestante, encorvado sobre el teclado conduciendo a Jim Morrison a nuevos reinos desconocidos mientras pronunciaba sermones psicodélicos. La mirada estudiada de Manzarek detrás de sus gafas sin montura y su apariencia rígida y formal (prefiriendo trajes a la colorida estética hippie ad hoc) le dio el aire de un maestro de escuela ordenado pero maníaco mientras que el guitarrista Robby Kreiger se parecía a un agotado ragamuffin de Venice Beach. Y Densmore solo parecía ese tipo en la escuela secundaria, sabías que tenías que mantenerte alejado de tu hermanita. Bueno, todos lo hicieron, pero ninguno más que el autoproclamado “Rey Lagarto”, Jim Morrison.

El verdadero rock ‘n’ roll hierve de peligro, rayando, a veces, en la locura, ya sea Jerry Lee Lewis golpeando su piano como un hombre poseído por el diablo que temía, o los comentarios de Jimi Hendrix derritiendo tu rostro mientras él preguntaba con indiferencia, “¿Estás ¿experimentado?”

En honor al cincuentenario del álbum, presentamos una sinopsis canción por canción de uno de los álbumes de debut más duraderos del rock.

“Break On Through (To The Other Side)” se inicia con el durente ritmo latino de Densmore y un piano eléctrico que recuerda al “What I Say” de Ray Charles. Si una canción resume el “Take-no-” de Doors, la filosofía de los prisioneros, su “Break On Through”.

Como el manifiesto metafórico del poeta galés Dylan Thomas “No te cortes en esas buenas noches” o el adolescente torturado de James Dean en Rebelde sin causa, la canción se erige como un testamento contra la complacencia social, desafiándote a forjar tu propio camino individual a través de la vida, sin importar el riesgo o la confusión emocional que pueda tener. “Estoy interesado en cualquier cosa sobre revuelta, desorden, caos”, proclamó Jim Morrison una vez, aparentemente incluso al precio de su propia autopreservación.

Desde las primeras notas del misterioso órgano de Ray en  “Soul Kitchen”  , sabes que algo extraño es cocinar al otro lado de esa puerta cerrada. La guitarra de Robby Kreiger gime y suspira mientras dobla notas de blues, elásticas y resbaladizas, mientras el ritmo se te acerca sigilosamente, sórdido y sórdido mientras Morrison grita fragmentos de poesía surrealista mientras avanza, “Stumblin ‘en las arboledas de neón”.

Later in the song Jim repeatedly chants “learn to forget” over and over like a zombie mantra. Years later when Manzarek discovered and produced L.A. punk rockers X, they would reinvent “Soul Kitchen,” giving The Doors’ tune a new, nihilistic edge.

 

La atmósfera de ensueño de  “The Crystal Ship” se  hincha como olas cristalinas, llevando la mítica embarcación cargada con su cargamento de “mil emociones, mil chicas”. La fantasía adolescente de Morrison evoca las visiones amatistas de los poetas simbolistas franceses Arthur Rimbaud y Charles Baudelaire.

“Alabama Song (Whiskey Bar)” refleja la época sombría y decadente de Kurt Weill y el Berlín de Bertolt Brecht en la década de 1920. La música se arrastra, tambaleándose y delirando como un grupo de borrachos cuya única misión es arrojar otro tronco al fuego que consume sus vidas.

Aunque la canción original, cantada por Lotte Lenya, “nos muestre el camino hacia el próximo niño”, demostró ser demasiado para el agresivo hetero Morrison. (El sórdido saludo de Lou Reed a la ambigüedad sexual, “Walk on the Wild Side”, todavía era cinco años en el futuro).

El brillante y exótico sonido de “Alabama Song” fue creado por Ray Manzarek tocando una cítara sin trastes de dos octavas conocida como marxófono. Su inquietante trémolo recuerda al dulcimer de martillo gitano conocido como cimbalom, que le da a la melodía una textura sónica similar al clásico de Anton Karas “The Third Man Theme” (canción principal de la película de 1949 The Third Man, protagonizada por Joseph Cotton y Orson Wells )

Durante más de siete minutos, la canción original no solo contenía uno de los anzuelos líricos más memorables de la Puerta, sino que era el vehículo perfecto para el arrebatador órgano organizativo de Ray Manzarek, que dio paso a la furtiva danza de media noche árabe de Robby Kreiger.

“Lo primero que me impresionó de Ray fue que tocó órgano y bajo al mismo tiempo, ¡lo cual no es poca cosa!”, Exclamó el legendario organista Al Kooper. “Era único en el sentido de que no tocaba un órgano de Hammond, que casi todos usaban en ese momento. Pero él había jugado mi lamer de ‘House in the Country’ en una de sus canciones [‘LA Woman’]. Una vez que estábamos en un avión cuando él bajó por el pasillo y dije, ‘¡Oye, me robaste lamer!’ Él dijo: ‘¡Te estaba rindiendo homenaje!’ Dije: ‘¡Ojalá estuvieras pagando dinero!’ Ray era un buen tipo. Pensé que era muy bueno y apropiado para lo que la banda estaba haciendo. Además de robar mi lamer, era bastante original “.

Los prometedores cantantes de rock que buscaban algo de crédito solían tomar prestadas las fanfarronadas de bluesmen como Howlin ‘Wolf y Willie Dixon, como lo hicieron The Doors con su cautivadora versión de  “Back Door Man.”  (El primer hit de los Rolling Stones fue el Chicago el bajista / compositor “Little Red Rooster”, mientras que Animals conjuró Lead Belly para sus covers de “House of the Rising Sun” y John Lee Hooker para “Boom, Boom, Boom”).

Cuando Howlin ‘Wolf graznó: “Puedo comer más pollo de lo que cualquier hombre haya visto jamás”, no hubo dudas durante un minuto. “Trescientas libras de alegría celestial”, como se describió a sí mismo, el Lobo era un hombre de voraz apetito, ya sea que deseaba deliciosas baquetas y alas o “las niñas”, que, a diferencia de la mayoría de los hombres, “entienden” mientras cantaba en Dixon “Hombre de la puerta trasera”.

Pero The Doors hizo suyo el “Back Door Man” de Willie. El lado dos se abre de par en par con uno de los mejores gritos salvajes de Jim. Morrison suena peligroso e impredecible, como un animal salvaje liberado de repente de su jaula, mientras que la guitarra de Robby Kreiger se eleva y gira en torno a cada palabra de Jim como un abejorro maníaco.

“I Looked At You” es la brisa de San Valentín de Jim al eterno yin / yang, la danza de atracción chica / chico, una variación amenazante del éxito de R & B de Doris Troy “Just One Look (That’s All To Take)”.

Pero la celebración de Morrison viene con una advertencia: “Es demasiado tarde”, gime, sabiendo muy bien que una vez que tropiezas con el gatillo del amor no hay marcha atrás, mientras sus compañeros de banda nos llevan en un breve viaje, impulsados ​​por los teclados de Ray y puntuados Densmore remachado tambor llena.

“Algunos nacen para deleite dulce; algunos nacen para una noche interminable “, escribió el gran poeta / pintor romántico del siglo XVIII William Blake en su clásico” Auguries of Innocence “, letra que Morrison elevó brillantemente para el clásico de las puertas ” End of the Night “.

Podrías aprender mucho de Jim Morrison, ebrio como pudo haber pasado la mayor parte del tiempo. Pero cuando Jim no estaba encendiendo completamente sus sentidos, se las arregló para leer, mucho, transmitiendo a su público la inspiración que encontró en la poesía, las obras de teatro y la película de vanguardia.

“Jim Morrison fue uno de nuestros grandes poetas y artistas únicos”, dijo Patti Smith a CBS el domingo por la mañana.. “His body of work will always endure.”

Smith no estaba solo al reconocer el enigmático verso de Morrison como literatura. Después de la muerte de Jim el 3 de julio de 1971, el poeta de Beat Michael McClure colaboraría con Manzarek, leyendo las letras de Morrison (y dándoles así más crédito) mientras Ray improvisaba sobre las bien conocidas melodías que una vez ayudó a forjar.

“Take It as It Comes” fue un lanzamiento fácil. Si alguna canción en el álbum reveló una fórmula del sonido de Doors, era la décima pista. Pero a la luz de lo que sigue tal vez fue solo lo que el álbum y los fanáticos de Doors necesitaban.

“The End” se abre suavemente con los serpenteantes riffs de guitarra de Robby, como un extraño amanecer, hasta que nos arrastra en un viaje catártico mientras Morrison nos lleva por los oscuros corredores de su psique, explorando el último tabú, la fantasía edípica de matar a su padre y haciendo el amor con su madre.

La difunta Judith Malina, del Living Theatre experimental de Nueva York, recordó a Morrison en una entrevista poco antes de su fallecimiento: “Jimmy solía venir a vernos. Él era tan sexy. Recogió muchas cosas de nosotros que terminaron metiéndole en problemas, cuando comenzó a hacerlas en el escenario “. (The Living Theatre se vio obligado a abandonar América en 1962, y más tarde lo expulsaron de Holanda, un bastión de cultura progresista / liberal en ese momento, y más tarde Brasil, donde muchos miembros fueron arrestados y encarcelados. Jim más tarde sacaría al Living Theatre de la cárcel en 1968 después de regresar a los Estados Unidos y comenzó a actuar una vez más).

“Sí, diría que hubo una similitud, definitivamente”, dijo Morrison con respecto a la conexión de su canción con el mito griego. “Pero a decir verdad, cada vez que escucho esa canción, significa algo más para mí. Realmente no sé lo que estaba tratando de decir. Simplemente comenzó como una simple canción de despedida … Probablemente solo para una chica, pero pude ver cómo podría despedirse de una especie de infancia. Realmente no lo sé Creo que es lo suficientemente complejo y universal en sus imágenes que podría ser casi cualquier cosa que quieras que sea “.

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